細田守監督『竜とそばかすの姫』 雑感

 細田守監督の長編アニメは、これまで都市を基軸に舞台が創造されていた。
 『サマーウォーズ』(2009)も『おおかみこどもの雨と雪』(2012)も、舞台の大半は田舎だが、映画の発端は都市である。『おおかみこども』では、主人公が子ども二人とともに大都市で生き続けるか否かの選択肢に直面し、以後舞台が田舎に移っても、発端としての都市の残像は作中から消えない。
 『バケモノの子』は渋谷(都市/人間界)のパラレルワールド・渋天街(バケモノ界)が現れ、双方を行き来する主人公を描いた。
 『時をかける少女』(2006)と『未来のミライ』(2018)も全編都市であるが、時間軸を交わらせ、または重層化して、主人公の心理描写を試みた。
 
 『竜とそばかすの姫』(2021)は初めて田舎に基軸を置き、僻地から都市へのダイナミズムが表現された作品である。
 私はこれまで、仮想世界とか時間軸の交錯とか、そうした仕掛けがない『おおかみこども』が細田監督の仕事の中で異色作であり、それが彼の長編アニメ第4作という作品史からして、彼の内的宇宙が本人にとって照れくさく表現された作品だと考えていた。
 どうやら『竜とそばかすの姫』の出現で、細田監督の作品史に、新たな流れが加わった。
 
 とはいえ、変わらないこともある。それは、コミュニティの描写である。
 基本的に細田作品は、コミュニティ(最小単位としては家族)を描いているようでいて、コミュニティが足かせになっている主人公を描き、そのコミュニティから離脱する意味を問いかけている。そして、コミュニティからの離脱を安易に「成長」とせず、コミュニティへの帰還をも描きながら、価値観が対置される。これは『竜とそばかすの姫』でも変わりない。
 
 コミュニティや家族というのは、けっこう面倒なものである。それは『竜とそばかすの姫』でも、僻地と都市との双方において否応なく描かれている。
 コミュニティの面倒くささ極まる田舎を発端にした『竜とそばかすの姫』は、そこに生きる主人公を存立させつつ、異なるコミュニティをつなぐ象徴としての駅、バス、そして仮想世界などを際立たせた。
 
 アニメの界隈では、「監督が意図したとおり読み取らなければ」という使命のようなものが、特に強い。それ自体は大切な考え方だが、作品というものは発表された瞬間から作者のものではなくなり、観客の共有物になる。
 細田作品の新しい潮流が見えた『竜とそばかすの姫』、現在「最も次回作が待たれるアニメ監督」の一人である細田守の作品を同じ時間軸で共有できることを喜びたい。

近況(仕事、その他)

 またまた長いことこちらで書いておらず、不活性なブログになっていますが、このブログの連絡先を使って仕事の依頼をいただくことも多く、感謝いたします。

 少しわかりにくいですが、左上の「プロフィール」に表示の「tsugata」をクリックいただければ別ページに跳び、そこにある「tsugata」をもう一度クリックすればプロフィールページになります。末尾に連絡用メールアドレスがあります。

 最近は、次の単行本の原稿執筆を続けており、これがメインの仕事になっています。刊行は来年の早い時期、でしょうか。

 最近見たアニメでは、『映画大好きポンポさん』が抜群に良かったですね。予告編の編集で認められる若手とか、何度も何度もオーディションに落ちていた彼女がヒロインに抜擢されるとか、ロケで偶然に虹が撮れて大喜びするとか、クランクアップ後に何かが起きるとか、往年の映画愛に溢れる内容で、本当に素晴らしかった。

 『シン・エヴァンゲリオン』については、いま書いている単行本でも少し取り上げる予定です。

ラトビアの長編アニメーション『Away』日本公開決定

 たいへんうれしいニュースである。

 私は昨年の新千歳空港国際アニメーション映画祭の長編コンペティション部門での上映で見て、その斬新にして静謐な映像に大いに感動した『Away』、このブログでも2回に分けて紹介と論評を書いた。

 ただ、やはり昨年の東京国際映画祭でも上映されたにもかかわらず、ほとんど話題にならなかった。最近の海外長編でいうと、『ロング・ウェイ・ノース 地球のてっぺん』(フランス・デンマーク、2015年)とか、『幸福路のチー』(台湾、2017年)のように、どこかで日本の伝統的な長編アニメとの共通性を見出せないと注目されにくい現況は忸怩たるものがある。

 したがって『Away』は、そうした現況をかんがみるに、日本での一般公開は難しいかと思っていた。それが杞憂に終わったことになる。

 作品の詳細と公開情報は、以下のリンクのとおり。

 東京を皮切りに、大阪、京都、名古屋での公開も予定されている。

 

  

 

近況(広島フェスの今後について、など)

 あまりにも長期間、記事をアップしていないので、近況を少し書く。

 コロナ禍でアニメ界もさまざま影響を受けているが、先週末(9月26日・27日)には、3月開催予定だった「東京アニメアワードフェスティバル2020」のノミネート作品上映会が池袋・新文芸坐であった。

 長編4本は、グランプリ受賞『マロナの幻想的な物語り』(8月末から一般公開)、優秀賞『カブールのツバメたち』、そして『フリッツィ』、『雪の女王:鏡の国』で、このうち『カブール』はタリバン支配下アフガニスタン・カブールが舞台、『フリッツィ』はベルリンの壁崩壊直前の東ドイツライプツィヒが舞台の作品。

 いずれも「ドキュメンタリー・アニメーション」の性格の色濃い作品で、こうした作品が世界的に多く制作される傾向は、まだしばらく続きそうだ。

 私自身の仕事としては、広島を中心に販売されている中国新聞のコラム欄「緑地帯」で、9月11日から「アニメ史へのいざない」というタイトルで8回連載(日月を除く毎日掲載)した。この中で、次回から大きく変わると報道されている広島国際アニメーションフェスティバルについて、今後への提言も含めて少し書いた。

 広島フェスは、どうやら相当に縮小されそうで、「映画祭」とは呼べない形になる方向で検討されているようだ。初回開催以来、市民になかなか浸透しないまま35年が経ち、その一方で、たとえば近年、甚大な自然災害を複数回受けた広島の現況を理解しなければならないし、アニメファン的な立場だけで見ても、ここ数回の広島フェスはマニアックなプログラムが増えすぎており、再検討は広島フェスをよりよくする一つの機会だと私は考えていた。

 しかし、映画祭の体裁をとれないほど刷新(縮小)されるのは、35年もの広島市の実績を自ら「否定」することになりかねない。音楽イベントを主体として、マンガ、ゲームなど「メディア芸術」を多く加えて、その中にアニメーションを入れるというのが現在の構想のようだが、広島フェスのこれまでを100とすれば、50くらいの規模まで絞り込む(凝縮する)ことで、映画祭としての継続は十分可能だ。

 そもそも広島フェスは、1990年の第3回大会までは、旧・厚生年金会館の大ホールの1スクリーンのみで開催されてきて、第4回からは現在までの会場のアステールプラザの大・中ホールの2スクリーン、そして2002年の第9回大会からアステールの多目的ホールをくわえた3スクリーンで、同時に異なるプログラムを上映するようになり、結果的に上映作品が激増した。ちなみに会期は、いずれも5日間である。

 これを、初期の1スクリーンのみのプログラム構成にしたとしても、これまでの広島フェスのエッセンスを凝縮した映画祭として、継続は可能である。

 また、音楽、マンガ、ゲームなどはいずれもアニメーションを含めて関連性、親和性が強く、多くの観客の興味をひく構成が可能だが、ともすれば、それぞれの分野で独立的な展示や公演になってしまいがちで、効果的なプログラムにするには、高度なキュレーションが求められる。それぞれの「専門家」を呼ぶだけでは、おぼつかない。

 広島市民ではない私は、遠く報道で伝えられる内容を把握することしかできないが、まだ時間はある。

 広島市には、これまでの広島フェスの「よい部分」を、あらためて見つめなおし、どう継続できるかを考えていただければと、切に願う。

今年の「新千歳」(2) アニメーションという大海に身を委ねた「Journey ; 旅路」―― 長編『Away』

 今年の「新千歳」(1)に引き続き、ラトビアの長編『Away』について書く。
 本作は、全体で4部に分かれている。
 第1部は「オアシス」
 冒頭、パラシュートで降下したと思える少年が巨木に引っかかっているシーンから始まる。周りは何もない荒野、そこに、巨大な「黒き精霊」が現れ、少年にゆっくりと近づいてくる。逃れた少年は、やがて緑深いオアシスに迷い込む。そこで、まだ飛べない黄色の小鳥と出遭う。
 少年はその深い緑の中で小さなリュックサックを見つける。中には、水筒、マッチ、地図、鍵などが入っていた。
 そして、オアシスの入口近くでオートバイが放置されており、リュックに入っていた鍵を差し込むと、エンジンがかかった。振り返ると、あの精霊が自分をゆっくりと追いかけてくる。
 少年は意を決して、オートバイにまたがった。小鳥とともに、彼の「Journey」が始まったのである。
 
 第2部は「鏡の湖」
 オートバイを走らせ進み行くと、深い深い谷に木組みの橋がかけられたところに出る。少年はおそるおそる橋を渡りきるが、あの精霊も追ってくるではないか。
 少年は高い岩山に登り、そこから巨石を落として、橋もろとも精霊を谷底に突き落とす。
 さらにオートバイを走らせると、鏡のように周りの風景を映し出し、静謐な湖の前にでる。しかし湖上はただの水ではない。少年は、湖上をひたすらオートバイで駆ける。
 
 第3部は「夢」
 夜。少年は旅の疲れを癒すように、熾した焚火の横で眠りにつく。
 ここから、現実と夢とが交錯してくる。墜落した旅客機の機内、相変わらず迫り来る精霊。そういえば、少年はなぜたった一人でパラシュートで降下したのか。
 
 第4部は「雲の港」
 少年の旅は続く。やがて、高い山の頂上から雲が晴れ、はるか視線の先に港が見える。あそこから船に乗ることができるのか。
 しかし港は、少年のいる山(陸地)から海を隔てた遥か先、少年は意を決してオートバイもろとも猛スピードで山から飛び出すが、届くはずもなく、海の中へ墜落してしまう。
 
 ラストシーンは書かないが、こんな具合である。
 登場するキャラクターは少年ただ一人。あとは精霊と動物たちだが、少年を含め、セリフもナレーションも一切入らない。物語の始まりから展開まで、少年の一挙手一投足、カメラワーク、そして音楽が物語の進行をつかさどる。それらはあくまで自然で淡々としており、劇的で過剰な演出は少しもない。何より、一人の少年の旅というシチュエーションから想像される「冒険」らしい冒険がない。

 
 上映後の監督トークによれば、本作では脚本やストーリーボードなどを最初から作らず、本編を制作していきながら内容を拡大していったのだという。
 私にとっては、逆にそうしたところが、素直に作品世界に入り込めた要因になった。いわゆる感情移入しない形で、アニメーションで描かれた世界と私とが一体になった、まさに私自身が「旅」をしているかのような、不思議な感覚に囚われたのである。こんなことは久しく記憶にないし、鑑賞した日は終日、興奮が冷めなかった。
 監督は「登場人物が一人なので、セリフは必要ない」「会話をなくしたことでカメラの表現が強調される」と語ったが、この独特のカメラワークは、どうやら監督がゲーム好きで、ゲーム映像のように、プレイヤー(鑑賞者)に主体をおいた演出になったからかもしれない。

 私がいつのまにか作品世界の主人公のように感じられたのは、それによるところが大きかったように思う。

 

 映像はフルデジタルだが、造形的には2D主体、影はつけず、色数も抑えられ、総じてシンプルに過ぎるくらいに作られている。
 監督は「単独で制作したので、そうならざるを得なかった」という。私に言わせてもらえれば、的確に「引き算をした」ということである。

 監督自身の制作による音楽も独特で、一つのシーンに対して一つのメロディが、オーケストレーションを含めて徐々に発展するようなサウンドで組まれており、私は観ていて非常に心地よかった。

 これについて監督は、「多くの予算があるアニメーションでは、音楽が「喋りすぎ」ている。自分は1シーンに1トラックで、音楽が邪魔しないようにした。シンプルな解決方法を選択するほうがうまくいくことを本作で学んだ」と語った。
 そしてその音楽は、本編に先駆けて制作し、出来上がった音楽によって映画のアイデアが出てくるほどになったという。
 
 こうした長編アニメーションなので、日本で人気を獲得できるタイプの長編アニメとはまるで異なる。一般的な観客の心を捉えるようなストーリーの起伏とか、リズムとか、劇的なシーンが皆無なのである。観ていて眠くなる観客も少なくないだろう。
 それは、やむを得ない。『Away』は、いままでに類を見つけ難い、「インディペンデントで長編アニメーションを作るとすれば」という命題に対する一つの解答を、ささやかに、かつ明瞭に導き出した作品だからである。
 
 それにしても、ジルバロディス監督は、なかなか用意周到である。
 本作が4部構成になったのは、第1部の「オアシス」を独立した短編として制作し、それ以降の3部も助成金などを得ながら制作して、全体で1本の長編にしたからである。そのため、第1部の制作には3年を要したが、2~4部はトータルで1年間で制作したという。
 監督は「たとえ長編として完成できなくとも、それぞれ独立した短編として成立するようにした」「ラトビアの文化組織から助成金を得たが、長編よりも短編のほうが資金を得やすい」と語った。
 要するに、アイデア、デザイン、ソフトウェアの使用法に始まって、音楽、助成金獲得に至るまで、「単独で長編を制作する」という目的に従った周到な戦略を立て、それに見合う戦術=技法での制作を実行したのである。第1部には3年を要し、以後は1年で完成をみたのも、第1部において、単独で長編制作するための戦術的な試行錯誤を繰り返したからだろう。
 
 現在構想中の次回作は、やはり長編で、単独ではなく少人数のチームでの制作になるという。それでも、「5人以上のチームにはしない。インディペンデントのスピリットをなくさないように」とジルバロディス監督は語る。
 次回作でも、アニメーションという大海への旅に、観客をいざなってほしい。

今年の「新千歳」(1) 短編『Acid Rain』、『SHISHIGARI』、そして長編『Away』

 11月1日から4日間開催された、第6回新千歳空港国際アニメーション映画祭、私は今年が3回目の参加となった。この映画祭の意義、独自性については、前年までのこのブログで書いたので、ここでは、会期中に見た作品で印象に残った作品をいくつか書いておきたい。
 
 まず、短編のコンペティションで最高賞のグランプリを受賞した『Acid Rain』(T・ポパクル監督、ポーランド、2018年)である。

 村から抜け出した少女(といっても10代後半か)がさまよい歩く中で、やがて仲間を得て自動車で移動しつつ、彼女が認識する実体とイメージとが交錯するかのような世界を、あたかも現代の諸様相を凝縮した映像として、圧倒的な独創性で描き出した力作である。
 モーションキャプチャによる人物のアニメートと、ヴィヴィッドな色彩・デザインとの組み合わせは、見る者には強い不安感をも与え、26分という短編アニメーションとしては長めの呎ながら、決してスクリーンから眼を離すことができない。
 「こういう短編アニメーションが出てきた」ということへの驚きと、それにグランプリを与えた新千歳の存在感とが、同時に感じられた。
 
 次に、押山清高の『SHISHIGARI』、今もっとも注目されるアニメーターの一人である押山の初の短編作品である。北国の雪深い山中で、初めての狩りに挑む少年の様を描くストーリーだが、これまた『Acid Rain』とはまったく異なる手法で、描かれた世界と空気、そして息遣いを重厚なタッチで映像化してみせた。
 日本ではしばしばリアリティ、それを裏づける作画の密度や技量が問われてきた。その一方で、作画の文法や方向性に関する多様性を模索する動きもあり、以前、「日本アニメ(ーター)見本市」のいくつかの作品で試みられたような実験性もあった。
 『SHISHIGARI』には、そうした多様性への模索や実験性が見られ、それが高い水準で成功しているように感じられた。
 受賞に至らなかったのが非常に残念なのだが、本作は今後の展開によっては長編に発展していきそうな気配で、その流れに乗ることを強く期待したい。
 近年こうしたパターンで、つまり個人作家がまず短編として発表して、資金を募り、結果的に長編に発展させていく作品が増えているようである。
 
 『Acid Rain』と『SHISHIGARI』に共通していることとして私が見たのは、両作とも、しばしば問われるテーマとかメッセージとか、そういうこと以上に、「アニメーションでどのような世界を表現するか」という1点へのこだわりである。
 この点は、実はアニメーションを手がける者にとっての出発点であり回答であるはずだが、その点を突き詰めることなく、観客を気にしすぎる(つまり「何かを伝えなければならない」と考えすぎる)作者が少なくないのが現在だと、私は感じている。
 
 そしてもう1本、長編コンペティションでグランプリに次ぐ審査員特別賞を受賞した『Away』である。
 作者は、ラトビアの25歳、G・ジルバロディス監督。75分の長編を、音楽に至るまで1人で制作したという驚愕の作品である。
 今年の東京国際映画祭でも上映されたので、そちらで見た人もいると思う。しかし、話題になることはほとんどなかった。
 『Away』のストーリーは、映画祭公式パンフに寄せられた作品紹介では「少年と鳥がオートバイで島を駆け抜ける。黒き精霊から逃れ、家へと帰るために。」という短文のみ、さすがにこれだけでは未見の方々にはよくわからないと思うし、私も同じ思いで鑑賞した。
 そして、私は深く感動した。長くなるので、(2)で詳しく書きたいと思う。

小さな扉から見える世界の風景 -- 第15回吉祥寺アニメーション映画祭

 毎年恒例の吉祥寺アニメーション映画祭、今年で15回目を迎えた。私は初回以来、出品作のノミネートを行う選考委員と、本選の審査委員とを務めている。
 アニメーション映画祭とはいっても、出品作品数は多くて100本前後、今年は65本だった。吉祥寺(武蔵野市)に縁の深いアニメスタジオなどの企業賞も有する「街の小さな映画祭」である。それでも、それが15年も続いている例はあまりないはずで、またその間選考委員・審査委員とも固定メンバーから徐々に増えていったという歴史を刻んできたので、独特の実績を積み上げてきたといえる。
 とはいえ、繰り返しになるが「街の小さな映画祭」である。それは広大なアニメーションの世界の小さな扉であり、そこから見える風景には限界はあるが、今年は注目すべき作品が出品され、それが結果的にグランプリに選ばれたのは、この小さな扉から見える風景もまた一興だと感じた。
 
 昨日(10月20日)、本選上映と受賞作発表が行われた。
  http://www.kichifes.jp/wonderland/eigasai3.html
 これを書いている時点で、上リンクには受賞作一覧が発表されていないが、グランプリは、12.深谷莉沙さんの『MIMI』である。
 本作は、アニメーションのテクニックは抜群だが、よくあるような、日本でアニメファンとして時間を過ごし、アニメ制作技術を勉強して短編作家になった、という形跡は感じられない。明らかに異分野からアニメーションへ「越境」してきた作家特有のデザインと質感、そして構成である。
 残念ながら、現在のところネット等では公開しておらず、各国の映画祭に出品されている途上なので、すぐに見るのは難しいのだが、そのぶん、今回の吉祥寺で見ることができた観客は幸運だったと思う。
 本選の審査委員も多くが、グランプリに推した。
 
 ここ数年、アニメーションをめぐる世界の実情の変化は、そのスピード、内容とも著しく、私のように国内からそれを眺めている者にとっては、ついていくことさえ容易ではない。
 ただ、そのキーワードを一つ挙げるならば、先に掲げた「越境」である。それは、人材、資金、そしてジャンルにも及んでいる。
 その様相は、また別の機会に書いてみたいと思っているが、いずれにせよ、吉祥寺のような「小さな扉」からも、その世界の風景が垣間見えるようになったのは感慨深い。
 そうはいっても、私が昔から作家たちに変わらず求め続けていることもある。それは、自作において「引き算を恐れないこと」である。作品の呎数がわかりやすいのだが、もっと短くまとめれば確実に上位受賞に到達しただろう作品が、今回の吉祥寺でも見受けられた。
 引き算のやり方に、その作家の作家性が表れるのである。